West Coast Swing (WCS)

Aunque el UK Swing Dance Club no enseña West Coast Swing, se han formulado preguntas sobre el estilo de baile de swing llamado West Coast Swing. La siguiente información se facilita en este contexto.

El West Coast Swing se originó a partir del Lindy Hop, aunque del estilo de West Coast Swing que se baila actualmente ha desaparecido toda resemblanza con sus raíces en el Lindy Hop original.

Se atribuye a Dean Collins el haber sido la primera persona en introducir el Lindy Hop en la costa oeste de los EE.UU (principalmente al sur de California). Collins, que se trasladó a California en los años treinta, había bailado en el Savoy Ballroom mientras vivía en Nueva York. Antes de la popularización del Lindy Hop, los bailarines del sur de California bailaban principalmente Balboa (que se baila en posición cerrada), o “Bal-Swing” (que es una variante de Balboa, con patrones de posiciones cerradas y abiertas).

Collins bailó en Holliwood y realizó la coreografía de numerosas películas. Empezó a enseñar su estilo de swing en el área del sur de California y pronto se hizo muy popular, dando lugar a una variante del swing que eventualmente se conocería como West Coast Swing.

La necesidad de adaptar el swing a los platós cinematográficos de Hollywood se convirtió en un factor decisivo en el desarrollo del West Coast Swing. Despúes de la 2ªGuerra Mundial, los estudios de cine empezaron a producir un gran número de musicales con muchas escenas de baile. Los coreógrafos (inlcuído Collins) a menudo sustituían el patrón de movimientos circulares del Lindy Hop y del Jitterbug por movimientos elongados, sobre una línea recta o un ‘carril’ que permitía situar más parejas en el mismo espacio, sin que éstas tuvieran que dejar en ningún momento de dar la cara hacia la cámara. Además, esta forma de bailar encajaba mejor en aquellos relativamente pequeños platós de cine.

Al principio este estilo de swing se conoció como “Western Swing”, aunque este nombre se modificó a partir de los años cincuenta por recomendación de Skippy Blair, para evitar la confusión con los bailes Country y Western. Skippy Blair fué probablemente la persona más influyente en el desarrollo del West Coast Swing moderno. Tras enseñar durante unos años en una de las esculas de Arthur Murray, desarrolló varios métodos para la enseñanza del West Coast que aun se utilizan hoy en día.

Técnicamente, el West Coast Swing consiste en patrones de 6 y 8 tiempos. El seguidor se desplaza adelante y atrás a lo largo de una línea recta, mientras que el líder prácticamente permanece en el mismo sitio, entrando y saliendo ocasionalmente del ‘carril’ para dejar paso libre al seguidor. Hay multitud de movimientos de manos y brazos, ‘under arm turns’, pasos a izquierda y derecha, giros, vueltas, etc. El seguidor comienza sus movimientos dando dos pasos hacia adelante, seguidos por dos ‘triple-step’ (o un ‘triple-step’, dos pasos y otro triple). El segundo triple se realiza generalmente sobre un mismo sitio y se le llama”anchor-step”. El propósito principal del ‘anchor-step’ es el de reestablecer la tensión física entre ambos bailarines, cosa que generalmente se consigue reclinando el cuerpo ligeramente hacia atrás.

La música utilizada normalmente para el West Coast Swing es relatívamente lenta, apenas nunca supera los 130 beats por minuto. Raramente se ve ningún tipo de patrón de los que normalmente se asocian con el Lindy Hop.

Salsa

Salsa es el nombre comúnmente utilizado para describir una mezcla de varios ritmos cubanos. La salsa no es un ritmo. Es un nombre comercial que se adoptó a principio de los años setenta, para colocar bajo un mismo techo una serie de ritmos cubanos que el público, a nivel mundial, confundía y no alcanzaba a diferenciar, como: la guaracha, el guaguancó, mambo, chachachá,y sobre todo, el Son Montuno en donde se afinca la misma.

Introducción: En los años ’60, una oleada de ritmos de origen cubano se fusionan con el jazz. Izzy Sanabria, diseñador gráfico en los estudios de Fania, los une a todos bajo una misma denominación para eliminar confusiones y vender el concepto más fácilmente. Eligió salsa, término con el que se animaban a las bandas para aumentar la energía de la actuación. La música salsa tiene una estructura determinada: introducción, fase melódica, fase de ritmo o percusión llamada montuno, vuelta a la fase melódica y final. Las exclamaciones se usan para anunciar cambios de fase, especialmente en el montuno, que es la sección con mayor energía rítmica.

Francia, España y las colonias americanas: un antiguo antecedente de la salsa es la contrandanse bailada en Versalles, que pasó a la corte española, y de allí al Caribe, durante la colonización, ya con el nombre de “contradanza”. La contradanse llegó a Haití y la contradanza a La Habana

Otro factor fundamental en el origen de la salsa lo constituyen los ritmos africanos que los esclavos africanos mantenían en sus ritos religiosos, conservación posibilitada por la asimilación de sus dioses, los orishas, a los santos católicos.

Es importante también en la constitución de los ritmos salseros, la inmigración proveniente de Haití en Cuba. Una primera oleada introdujo la contradanza criolla, una versión criolla de la contradanse con influencia africana en la instrumentación y la interpretación. La segunda oleada de inmigrantes llegó a mediados del siglo XIX proveniente de la República de Haití, lo que contribuiría al nacimiento del son cubano.

Ritmos de África, música de Cuba: La tradición vocal y los ritmos de tambores son una parte central en las prácticas religiosas y sociales de los africanos. Un aspecto relevante es el de musicalidad compartida. Uno de los músicos toca un ritmo específico y único (la clave) y el resto tocan juntos formando un polirritmo. Los polirritmos son un componente esencial en la música salsa. Las claves más comunes son de son, de rumba y de samba; todas descendientes de la clave africana.
El coro-pregón es otro legado proveniente de las ceremonias religiosas, donde los cantos eran dirigidos por un líder social o religioso.

El método de composición en la Cuba de la segunda mitad del siglo XIX variaba de acuerdo a la situación geográfica. En el Oriente, la música se basaba en una progresión rítmica de acordes sencillos que acompañaban letras improvisadas que obedecían la clave. Todas estas son características que están presentes en la salsa. La música del Occidente era más europea. Los instrumentos recordaban a los encontrados en las orquestas francesas. Esta conservación de la estructura orquestal, instrumentos y músicos especializados después facilitaría la entrada del Jazz en la música Cubana.

Cuando Cuba pasó a ser una colonia independiente, lo que antes era una diferencia geográfica, se convirtió en una estratificación social en la capital: la música europea para las clases altas de blancos y la música de Oriente para las clases bajas de negros.

Cuba Mestiza: El cinquillo caribeño llegó a la danza y las habaneras cubanas por medio de la contradanza criolla. Los bailes de estas formas musicales dejaron de ser actividades de grupo para convertirse en bailes de pareja. La individualización del baile preparó el terreno para la introducción del movimiento africano en los derivados de la contradanse. El mestizaje ocurrido en el baile fue mejor aceptado por comunidades de color que por la élite gobernante conservadora.

La influencia norteamericana durante la dictadura de Batista trajo actuaciones de artistas estadounidenses, lo que abrió el camino para la influencia del jazz en la salsa. El mambo pasó a ser reconocido como un género en sí mismo en los años ’40. El chachachá, otro descendiente de la sección de nuevo ritmo, al contrario que el mambo era todavía tocado por las charangas (flauta y violín) y conservó un tiempo medio. El gran cambio fue la introducción de la conga. Ambos estilos se extendieron rápidamente por el resto del mundo.

Cuba Revolucionaria y después: Fidel Castro subió al poder en 1959. El embargo estadounidense a Cuba no pudo impedir que se escapasen nuevos ritmos; los más notables el songo y el mozambique. Pero redujo la presencia cubana en el escenario mundial. Surgen así tres nuevos centros de la salsa: Nueva York, Miami y Colombia.

En Nueva York, los inmigrantes provenientes de Puerto Rico abandonan la música folclórica portorriqueña como la bomba o la plena –excepto quizá Willie Colón-, en favor de la música afrocubana. Miami fue el destino elegido por muchos de los cubanos exiliados. La salsa en Miami está relativamente politizada. El carnaval y el fomento de la salsa en Miami provienen en gran medida de un activismo político de derechas. Allí, la salsa es un símbolo de deseo: el de una Cuba sin Castro. En Colombia, el gran peso del país como centro de salsa se puede ver en su gran contribución de talentos e innovaciones rítmicas. Cuba preparó lo que se ha convertido en otra gran contribución a la historia de la Salsa: la Timba.

Merengue

El merengue es un estilo musical y de baile originado en el caribe, específicamente en la República Dominicana a fines del siglo XIX.

Tiene su origen en los pericos ripiaos (también conocido como el merengue típico) que poseé un ritmo muy rápido. A mitad del siglo XIX tenía mucha popularidad en la República Dominicana. En el siglo XX, la burguesía dominicana lo puso de moda en los salones de baile y lo adoptó como baile nacional.

El merengue se toca en tiempo moderado, compás rápido y ritmo binario, alternando estrofas y estribillos.

Sobre el año 1980, el merengue empieza el periodo llamado la época de oro, caracterizado por la aparición de nuevas agrupaciones, sonidos y caracter que llamaron la atención gracias a sus melodiosas canciones y ritmos. Algunos de los artistas más destacados son, entre otros, Wilfrido Vargas, Johnny Ventura, Sergio Vargas, Los Hermanos Rosario, Milly Quezada, Los Melódicos, Conjunto Quisqueya, Fernando Villalona y Juan Luis Guerra .

Bachata

La bachata es un ritmo bailable originario de República Dominicana. Se considera un híbrido del bolero (sobre todo, el bolero rítmico) con otras influencias musicales de origen africano.

Su música, romántica y rítmica a partes iguales se reconoce por el característico punteo de guitarra que acompaña a la melodía. Tiene cuatro tiempos y se baila con tres pasos y una pausa que se marca con la cadera.

HISTORIA Y ORIGENES DE LA BACHATA

La bachata es una música popular bailable originaria de la República Dominicana. Se considera un híbrido del Bolero (sobre todo el bolero rítmico) con otras influencias musicales como son el pasillo, el huapango, y el Son Cubano, entre otros.

En el pasado reciente, era desdeñada como música de las clases bajas, y era conocida como “música de amargue”. Apenas era escuchada en las estaciones de radio (con excepción de unas pocas). Pero el interés surgió a partir de los años 80, con la expansión de los medios masivos de comunicación, con el auge del turismo, y con el esfuerzo de algunos compositores que vieron que había surgido un género diferenciado de expresión de lo popular. Autores como Juan Luis Guerra y de Víctor Víctor en los años 90, y de Luis Días en los 80, aportaron una visión diferente que articulaba esta expresión musical con lo urbano marginal. La expansión del turismo en República Dominicana a partir de los 80, le hizo ganar popularidad, y la convirtió en un género que ha penetrado todos los estratos y espacios del país e internacionalmente.

El llamado bolero rítmico latinoamericano de los años 30 al 50 penetró en el gusto popular de los dominicanos. Estos boleros se mezclaron con otras expresiones latinoamericanas que fueron muy populares en los años 50 en Dominicana (el corrido mejicano, el hupango, el bolero cubano, el pasillo, el vals, entre otros), y fue el cante de autores y cantantes como Julio Jaramillo y Olimpo Cárdenas (de Ecuador); Paquitín Soto, Odilio González (El Jibarito de Lares, el Gallito de Manatí, Jose Antonio Salamán, Felipe Rodríguez y Daniel Santos (de Puerto Rico); Rolando Lasserie, Bienvenido Granda, Orlando Contreras, Celio González, Orlando Vallejo y Antonio Machín (de Cuba); Guthie Cárdenas, Luis y Tony Aguilar, y Cuco Sánchez (de México); y Felipe Pirela (de Venezuela) quienes inspiraron a músicos populares como José Manuel Calderón, Tomy Figueroa, Inocencio Cruz, y Rafael Encarnación, para articular una expresión propia de la República Dominicana de los años 1960.

La música de José Manuel Calderón fue popular no sólo por sus hermosas letras sino también por su gran fuerza interpretativa y por el sentimiento que transmitía en sus canciones. Calderón acumuló muchos éxitos en su carrera tales como “Serpiente Humana”, “Luna”, “Sálvame” y otros más. En esta época, Rafael Encarnación cautivó a los amantes de este ritmo, pero su carrera fue acortada por su fallecimiento en un accidente de Transito, que tan sólo duró menos dos años en el medio artístico.

Puede pensarse que en esta primera etapa, la Bachata era una música marginal. Sólo escuchada en los llamados cabarets o prostíbulos. Sin embargo, constituía parte de una maquinaria cultural que estaba apoyada por una casa disquera local que poseía también una emisora de carácter nacional: La Guarachita. Esta empresa fomentó y difundió esta música para consumo de esos grupos sociales marginales, migrantes del campo a la ciudad y que con la caída de la dictadura de Rafael Leónidas Trujillo, desató la población sub-urbana en las ciudades dominicanas.

Una segunda etapa parece estar referida a la aparición de una segunda generación de cantantes que estaban promovida por esta productora. Fue así como surgieron voces como las de Luis Segura, Mélida Rodríguez (”la sufrida”), y Leonardo Paniagua, los cuales constituyen parte de una expresión que tuvo auge en los años 70 y 80, cuando declinan a favor de las expresiones más refinadas de la bachata, utilizando instrumentación electrónica, fusiones con otras expresiones modernas de la música (como las experimentaciones de Luis Días con otros ritmos caribeños y dominicanos).

Luis Segura se podría llamar el padre de la esta segunda etapa. Su éxito “pena por ti” a principio de los 80, abrió otra página en la historia de este ritmo. Esa canción aumentó la popularidad de un ritmo que no tenía la acogida necesaria para convertirse en una expresión con méritos propios. A partir de este éxito, se le despojó a esta expresión musical el aura de vergüenza que generaba en clases no populares.

Una tercera Etapa parece estar constituida por el surgimiento de formas digitalizadas para grabar la bachata, la introducción de otros aires e instrumentos, y un nuevo sentido de la lírica, cuyas letras no acentuaban, como en las etapas anteriores, el doble sentido erótico sexual, la insinuación de un imaginario basado en lo concreto, sino en una procura de versos más poéticamente elaborado, con imágenes literarias más refinadas, aunque sin dejar de apelar al sentido que le había dado origen: las expresiones de amor-desamor; la nostalgia y la propuesta de estilos de vida donde la mujer es fuente originaria del amor y del deseo.

En esta etapa, la Bachata se internacionaliza, y cobra un auge inaudito. Desaparece por completo La Guarachita y su emisora. Aparece la figura del empresario y el promotor artístico internacional, y los artistas de la bachata se convierten en los ídolos de multitudes. Voces como Teodoro Reyes, Joe Veras, Luis Vargas, Anthony Santos, Yóskar Sarante, Raulín Rodríguez, Zacarías Ferreiras, entre otros, forman la legión de las nuevas estrellas del género. Aparecen los dúos (Monchy y Alexandra), y los grupos (Grupo Aventura), que son parte de la nueva generación de artistas, algunos de ellos no-nacidos en República Dominicana.

La Bachata, reproduce el mismo espíritu meláncolico, nostálgico y de animosidad amorosa de otras expresiones musicales latinoamericanas como el llamado tango-canción de los barrios porteños de Buenos Aires, donde se combinaba la animosidad pasional (amor-desamor) con la nostalgia del migrante. Al igual, en la Bachata conocemos de esta nostalgia en la expresión musical debido al hecho de que esto coincidió con el período de mayor auge de la cultura sub-urbana proveniente de la migración rural-urbana a partir de 1961. En ese período se le conoció como “Música de Amargue” por ese sentido nostálgico que evocaba.

En las primeras etapas, buena parte de los artistas musicales nacionales rechazaban la bachata como género o estilo musical, pero en la actualidad artistas de renombre han incursionado en dicho género grabando bachatas e interpretándolas en concierto.

Milonga

La milonga es género musical rioplatense, típico de Argentina y Uruguay y de la cultura gauchesca. Se presenta en dos modalidades, la milonga campera o surera, forma original de la milonga, y la milonga ciudadana.

Aunque tanto la milonga como el tango están en compás de 2/4 o 4/4, las 8 corcheas de la milonga están distribuidas en 3 + 3 + 2, en cambio el tango posee un ritmo más «cuadrado». Las letras de la milonga suelen ser picarescas.

Milonga: palabra de origen africano que significa lío, problema, batahola, enredo. Por extensión, servía para designar a las casas de baile de los barrios periféricos y a las mujeres que trabajaban en ellos. Coexistió con la habanera, pero reinó en ambientes sociales muy humildes. Por eso, incluso se la ha llamado la habanera de los pobres.

Sin embargo, aunque sea hermana de la habanera, la milonga tiene una mayor relación con la música afroamericana. Adquirió su denominación cuando fue incluida en los repertorios de los establecimientos de baile o “milongas”, nombre que se comenzó a dar a dicho género musical alrededor del año 1870.

La milonga tuvo una clara influencia en el surgimiento del tango, pero paralelamente evolucionó y también se mantuvo como género independiente. Incluso hay una especie de híbrido que ha sobrevivido con variada suerte -a tal punto que algunos estudiosos lo consideran extinguido- denominado tango milonga y que ha sido usado cuando los autores quisieron dar al tango un ritmo fuerte y sostenido.

Porque, precisamente, la milonga se caracteriza por sus compases machacones y enérgicos. La sola mención de su nombre recuerda la potencia de ese ritmo que, no obstante, para muchos autores tiene como carácter específico lo cantable.

La milonga se presenta en diversas formas rítmicas y melódicas, por lo que puede ser sureña o pampeana, porteña o compadrita, corralera, libre canción, negra o candombeada, siempre manteniendo su especificidad. En sus versos recorrió asimismo diferentes temáticas: burrera, lunfarda, evocativa, sentimental, altamente poética, captando “pintorescas y coloridas estampas o mostrando el lado social o testimonial”.

Tango Argentino

El nacimiento del tango se produjo hacia mediados del siglo XX, con la formación de conglomerados habitacionales alrededor de la joven ciudad de Buenos Aires.

Originariamente, el tango comienza a bailarse en tugurios y lupanares. Este nuevo ritmo se asocia desde su inicio al ambiente prostibulario, ya que eran sólo prostitutas y “camareras” las únicas mujeres presentes en las academias o perigundines. Este escenario facilitó el hallazgo; en el prostíbulo era posible abrazar a la pareja, ceñirse a su cuerpo: rostro contra rostro, pecho contra pecho, vientre contra vientre, muslo contra muslo, pulso contra pulso.

Sin embargo, el baile en sus comienzos fue una creación individual: el compadrito demostraba sus habilidades desde la esquina a sus amigos o a la mujer que quería conquistar. Y paradójicamente, es una pareja de varones la primera que baila el tango en alguna esquina de la ciudad.

Las letras están compuestas con base a un argot local llamado lunfardo y suelen expresar las tristezas, especialmente «en las cosas del amor», que sienten los hombres y las mujeres de pueblo.

Entre los tangos más reconocidos mundialmente se cuentan:
La cumparsita, El choclo, El entrerriano, Quejas de bandoneón, A fuego lento, La yumba, Uno, Milongueando en el ‘40, Danzarín, Verano porteño, Adiós nonino, etc.

En cuanto a músicos, cabe nombrar a: Armando Pontier, Osvaldo Pugliese, Anibal Troilo, Julio de Caro, Horacio Salgán, Mariano Mores, Astor Piazzolla y muchos otros.

Entre los poetas letristas se destacan: Homero Manzi, Alfredo Le Pera, Celedonio Flores, Homero Expósito, Horacio Ferrer, Cátulo Castillo y Pascual Contursi de una larga lista.

Y, si de cantantes se trata, es imposible dejar de nombrar al reconocido como el más grande de todos los tiempos: Carlos Gardel, quien llegó a convertirse en la figura prototípica del porteño, más allá de su voz o su modo de interpretación del tango.

Vals Vienés

El refinado estilo del “baile de salón” por excelencia seduce al Viajero Ilustrado y lo impulsa a indagar los orígenes de esta danza que traspasó largamente los límites de Viena de la mano del talento de Johann Strauss hijo con su creación de “El Danubio Azul” extrenada el 13 de febrero de 1867.

Según algunos historiadores, el vals deriva de los landler, rústicas danzas montañesas bailadas en la Edad Media por campesinos del sur de Alemania y Austria. Un lento compás de tres tiempos hacía girar a las parejas varias veces en el sitio. otros sostienen que los precursores del waltzen (que significa “dar vueltas bailando”) fue el nachtanz, una danza popular de Bavaria en el siglo XII. El vals vienés, repudiado al principio por la alta sociedad, invadió los más prestigiosos salones europeos tras la Revolución Francesa en 1789. Nobles y burgueses, cautivados por la música de Johann

Su principal característica son los constantes giros que realiza la pareja tanto en el sitio como desplazándose por toda la pista, siempre en sentido contrario a las agujas del reloj.

El vals vienés se caracteriza por un tempo que comprende entre 110 y 180 intervalos por minuto.

Vals Inglés

Los orígenes del Vals Inglés los podemos encontrar en Boston. Este baile fue importado desde Estados Unidos y introducido en Inglaterra por un Club de Boston muy influyente alrededor de 1874. Podemos constatar que pasado 1922 este baile llego a estar tan de moda como el Tango. Inmediatamente después de la Primera Guerra Mundial el Vals Inglés acogió una mayor popularidad. En 1921 se decidió que el movimiento básico tendría que ser: paso-paso-cerrar.Entre 1926 y 1927 el Vals Inglés fue mejorado considerablemente. El movimiento básico fue cambiado por el paso-al lado-cerrar.

Tiene la misma estructura de tiempos que el Vals Vienés pero un ritmo menor (justo la mitad, 30 compases por minuto). Se baila con pasos largos y deslizados, con una flexión de rodillas en el primer tiempo, lo que confiere a los bailarines el movimiento ondulante característico de este baile.

Cha cha chá

El chachachá es un género musical originario de Cuba creado a partir del Danzón por el compositor y violinista habanero Enrique Jorrín en 1953.

El nombre, parece ser, proviene del caracteristico sonido producido por el roce de los pies de los bailarines sobre el suelo al ejecutarlo.

El paso tiene 4 tiempos, como la música, y se baila con 2 movimientos lentos y 3 rápidos —más una pausa—. Como baile, es uno de los más ricos y variados en pasos. El aire es sensual, como en todos los bailes provenientes de la zona Caribe y su caracteristica principal es el movimiento de caderas

Pasodoble

Baile clásico español muy popular cuya música evolucionó a partir de una marcha militar de origen francés (pas redoublé) de los siglos XVIII–XIX.

El paso tiene 4 tiempos y consiste en un movimiento de avance y tres en el sitio, con ligero vaivén de caderas de la mujer. Posición del cuerpo muy derecha y movimientos bruscos en las indicaciones del hombre. Giros en pareja abundantes y bastantes desplazamientos por la pista. Los distintos pasos y movimientos escenifican la lidia en la plaza de toros, con el hombre haciendo la parte del torero y su pareja representando los movimientos del capote.

Entre los más conocidos figuran “Suspiros de España”, auténtica obra maestra; “Gallito”, “Manolete”, prototipos del pasodoble taurino; “España cañí”, “Pan y toros”, “En er mundo”, “Islas Canarias”, “Soldadito español”, “La parrala”, “Francisco Alegre y olé”, “La luna es una mujer”, “El beso” y “Los nardos”.

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